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Il contagio nell'arte

Maeve McGrath * | mronline.org
Traduzione per Resistenze.org a cura del Centro di Cultura e Documentazione Popolare

17/10/2020

Per contestualizzare la pandemia da covid-19, molti commentatori delineano paragoni con l'influenza "spagnola" del 1918 o con la peste nera del 1347-1351.

Sebbene sia stato fatto molto dal punto di vista medico e tecnologico, l'arte figurativa di tali epoche può offrirci altre prospettive, sottolineando le somiglianze tra le pandemie nelle società divise in classi.

La morte nera

Si stima che oltre il 30% della popolazione europea sia morta nella peste nera. In alcune città, come Venezia, morì fino al 60% degli abitanti. Sterminata la metà della popolazione di Parigi di 100.000 abitanti. Non sorprende, quindi, che l'arte abbia fissato la pandemia attraverso la rappresentazione di scheletri e della morte, addirittura di più che nelle copertine degli album degli Iron Maiden.

Dance of Death

Spesso gli artisti raffiguravano una cosiddetta danza macabra: un girotondo di persone di tutte le classi portate via da scheletri festanti. Queste opere constatavano con soddisfazione come la nobiltà non fosse esente dal destino dei suoi servi. A differenza del XIV secolo, ora sappiamo naturalmente che dieta, igiene e altri fattori possono aumentare le possibilità di sopravvivenza, ma la vulgata diffusa all'epoca era che la classe dirigente fosse intrinsecamente migliore e meritasse dei privilegi. Nonostante ciò, gli artisti hanno voluto sottolineare l'effetto apparentemente livellante della malattia.

L'arte è stata utilizzata anche per elaborare l'orrore provocato dalla peste. Proprio come le riprese odierne dei droni in America e Brasile si librano sulle fosse comuni, così gli artisti hanno usato i loro mezzi per rappresentare la terribile realtà dello smaltimento dei cadaveri.

L'arte ha svolto un ruolo fondamentale nell'insegnamento degli studenti di medicina. I modelli in cera noti come moulage sono stati utilizzati per creare rappresentazioni realistiche di corpi sani e corpi malati. Senza una rappresentazione moderna e senza la conservazione dei cadaveri, questi moulage erano una risorsa inestimabile per gli studenti poiché potevano durare decenni e, in alcuni casi, secoli. Mentre per gli artisti che li realizzavano erano necessarie dozzine di cadaveri su cui basare il loro lavoro, e solo dopo il completamento veniva meno la necessità di cadaveri veri in studio.

Salute, malattia e classe nell'arte europea

Pestilenze, malattie e problemi generali di salute pubblica hanno lasciato una profonda impressione sulla storia, sulla cultura e sulle istituzioni europee. Prendiamo come esempio le origini veneziane del termine quarantine. Il porto trafficato di Venezia, ha accolto commercianti da tutto il mondo con la loro potenziale carica di malattie. Di conseguenza, gli equipaggi delle navi in arrivo dovevano trascorrere 40 giorni (quaranta; quarantena) su un'isola prima di entrare in città.

Vicino al confine tra Francia, Germania e Svizzera si trova il Monastero di Sant'Antonio. I monaci del monastero erano specializzati nel trattamento della peste e di una serie di malattie della pelle. La cappella ospitava la pala d'altare di Isenheim di Matthias Grünewald, decorato con immagini inquietantemente evocative che includono dettagli di ciò che i pazienti hanno subito. I dipinti descrivono gli eventi della vita di Cristo, ma le lesioni cutanee e le pustole che lo affliggono lasciano spazio a una lettura meno superficiale. È più probabilmente un tentativo di ricreare ciò che i pazienti hanno sperimentato ed elevare e confrontare così le loro sofferenze agli ultimi giorni di Gesù.

Jacopo Tintoretto (1518–1594)

La Chiesa cattolica più in generale si è affrettata a rendersi conto che tale sofferenza medica poteva essere capitalizzata. Tra il 1564 e il 1587 Jacopo Tintoretto (1518-1594) realizzò 38 dipinti per decorare la Scuola Grande di San Rocco a Venezia. Questa era la sede di una confraternita dedita a San Rocco, patrono dei malati di peste del XIV secolo, le cui spoglie furono sepolte nelle vicinanze. Tintoretto utilizzò scene bibliche e resoconti della vita di San Rocco per glorificare il ruolo della chiesa nella crisi della salute pubblica.

La scena culminante mostra San Rocco che cura i pazienti con il solo tocco. Sebbene più economico del suo famoso rivale Tiziano, Tintoretto si aspettava il pagamento per questa serie. Per fortuna la Chiesa aveva scoperto che vendere indulgenze significava poter ridurre qualche anno in purgatorio: quella classe burocratica preferiva spendere danaro nell'autoglorificazione piuttosto che occuparsi effettivamente delle vere vittime della peste.

Frans Hals’ (1582–1666) “The Regents of Saint Elizabeth’s Hospital” (1641)

Nell'opera The Regents of Saint Elizabeth's Hospital (1641) Frans Hals (1582-1666) mostra burocrati di un tipo diverso - di un ospedale - con monete sul tavolo e una mappa del territorio sullo sfondo. Includendo questi due dettagli, l'artista sottolinea che la ricchezza materiale ha la precedenza sulla simpatia per la sofferenza umana nei confronti di chi è al potere. Avrebbero potuto essere mostrati nel contesto di un reparto o con un paziente, ma invece sono seduti nei loro vestiti migliori, tenendosi compagnia.

Le accuse di dare priorità alla ricchezza rispetto alla salute si sono manifestate a livello internazionale durante la crisi del covid-19. La strategia dell'"immunità di gregge" di Boris Johnson, propensa a mantenere aperta l'economia al blocco per prevenire la diffusione del virus, è stata giustamente biasimata.

L'epidemia di AIDS

Negli anni '80 e all'inizio degli anni '90 l'HIV e l'AIDS hanno invaso il mondo. Dall'inizio dell'epidemia, oltre 76 milioni di persone sono state infettate dall'HIV e circa 33 milioni sono morte di AIDS. Trasmesso attraverso fluidi corporei, un sistema dei media repressivo lo ha etichettato come una "malattia gay" e persino la "peste gay". In realtà l'HIV si diffonde da persona a persona attraverso il sesso non protetto, la condivisione di aghi per uso di droghe e attraverso la nascita.

Keith Haring (1958–1990) produced “Silence equals Death”

Nel 1989 la situazione era disastrosa: ogni minuto veniva diagnosticato l'HIV a un americano e morivano quattro persone ogni ora di AIDS. Keith Haring (1958-1990) ha realizzato Silenzio = morte, essendo diagnosticato lui stesso malato. L'immagine presenta tre figure nell'atteggiamento di "non vedere niente, non sentire niente, non dire niente" ed è sovrastata da un triangolo rosa, il simbolo usato dal regime nazista per contrassegnare la comunità LGBT+. È una rielaborazione di un poster utilizzato da ACT UP, un'organizzazione che si è battuta per la visibilità e la fine dell'epidemia.

Gli Stati Uniti ebbero una risposta caotica alla crisi e la disinformazione sull'HIV era molto diffusa. L'accesso all'assistenza sanitaria era allora, come oggi, incredibilmente costoso e le persone con il virus erano spesso abbandonate a se stesse. Se fosse vivo, si può solo immaginare cosa avrebbe detto Haring sulle bizzarre opinioni "mediche" di Trump e sul movimento anti-vaccino.

L'opera senza titolo (Falling Buffalos) di David Wojnarowicz (1954-1992) del 1989 è un'immagine potente e inquietante che trasmette l'impotenza dei sieropositivi e fa riferimento al genocidio della popolazione nativa americana da parte delle forze colonizzatrici.

David Wojnarowicz’s (1954–1992) Untitled (Falling Buffalos)

In un'istantanea, ti si spezza il cuore per la desolazione e l'inutile spreco di vite. Diagnosticato lui stesso affetto da HIV, Wojnarowicz stava collegando il trattamento della sua comunità a quello di altri gruppi emarginati. Wojnarowicz è morto di AIDS nel 1992.

La prima linea

C'è una lunga lista di artisti che hanno evocato con successo il dolore della cattiva salute. L'opera di Frida Kahlo (1907-1954) fu una delle più compiute, mentre il ritratto di Goya di Francisco Goya (1746-1828) con il suo medico Dr. Arrieta (1820) è un pezzo particolarmente rilevante. Goya era un pittore di corte in Spagna e in altre occasioni si era ritratto in una luce più affascinante, ad esempio nel suo ritratto di Carlo IV.

Francisco Goya’s (1746–1828)

Francisco Goya (1746-1828) nel suo ritratto con Arrieta, tuttavia, è raffigurato come un vecchio raggrinzito e pallido. Goya era ormai sordo e affetto da una malattia autoimmune. Da lì a pochi anni avrebbe avuto un grave ictus e la vista gli sarebbe venuta meno. Eppure l'attore principale di questa immagine è il suo medico. La sua presa robusta ma attenta smentisce la tenerezza della loro relazione. Viene mostrato con colori più vividi e linee più nitide di chiunque altro. Elevando il medico a protagonista della scena, e contemporaneamente lasciandosi svanire nell'oscurità, Goya sottolinea che il dottor Arrieta ha salvato la vita a molte persone e merita il ruolo principale nella sua pittura.

Lo stesso anno in cui Goya completò il dipinto, il governo spagnolo inviò Arrieta in Africa per studiare un'epidemia di peste. Lì, Arrieta contrasse la malattia e di conseguenza morì. Questo ritratto non è solo un tributo a quest'uomo, ma all'intera professione medica. Da questo i governi di oggi avrebbero da imparare.

I lavoratori in prima linea che rischiano la vita quotidianamente combattendo questa pandemia, non sono i burocrati o i politici. I loro sforzi salveranno vite umane e dovrebbero avere tutto il supporto e le risorse di cui hanno bisogno per svolgere il loro lavoro.

*) Pubblicato originariamente su Rebel (23 settembre 2020)


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